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노정일의 구겐하임/게티

Chungil Rho, AIA
Senior Designer / Carrier Johnson Architects
E-Mail: suerho@inetworld.net

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Frank Gehry의 Bilbao Guggenheim Museum과 Richard Meier의 Paul Getty Museum - Paer 2

1999년 5월 12일

지난달에 방문한 Spain의 Bilbao Guggenheim Museum과 저의 집 근방에 있는 Paul Getty Museum에 대한 기본적인 Parti 및 Organizational Concept에 대하여 지난 기고에서 간단히 언급을 했읍니다. 이번에는 이 두작품중 Bilbao Museum에 대한 Space Composition, Quality 및 Landscape에 대하여 견해를 적어봅니다. 이내용이 다소 길어질 것 같아 Paul Getty Museum에 검토는 다음 기고에서 하기로 합니다.

Gehry의 작품을 검토할때마다 설계자인 본인의 관심을 끄는 사항중의 하나는 Gehry가 "어떻게 이같은 Dynamic하게 sculptured된 Form과 Space를 만들어내며, 특히 어떻게 이들을 Synthesizing하는 것인가?" 입니다.

그의 많은 작품들은 "High Loft Style"의 structure와 그들 공간에 빛을 유도하는 "Skylight" 및 이들을 둘러싼 Dramatic한 "Front"로 구성되어 있읍니다. 이같은 작품들에서 쉽게 감지할 수 있는 Image는 Greek의 건축에서 느낄수 있는 "articulated"된 Objects와 Space들인데, Gehry는 자신의 매우 personal한 "emotion"과 "artistic impulse"를 통해서 Sculptured한 형태를 만들어내며 그들 사이의 Dynamic한 Composition를 구현하고 있읍니다. 이같은 서로 상충(?)되는 sculptured된 형태들의 Dynamic한 전체적인 구성을 이루기 위해서 "In-Between Fabric Space" 개념을 도입하고 있는 점을 감지할 수가 있읍니다. 즉 Free Shape의 In-Between Space 요소 (예로, 복도, Lobby 또는 외부의 plaza 등..)가 fabric 같이 작용을 해서, 상호 다른 형태들의 건축 요소들 사이에서의 완충적인 구성체로서 전체적으로 엮어주고 있다는 점입니다.

저는 이같은 그의 건축 구성에 있어서 Roma의 Collage City Image와도 비슷한 면을 연상하기도 합니다. Roma 도시의 부정형한 Urban Fabric내에서 각기 독자적인 Form의 건축물등 ( 예로, St. Peter Basilica, Pantheon, Palazzo Farnese 등등...)과 Void Object인 외부 공간들이 ( 예로, Campidoglio, Piazza Navona, Spanish Step 등...) 상호 연관되는 전체적인 도시 건축을 이루는 개념이 Gehry의 건축 공간 및 형태 구성에서 느낄 수가 있읍니다. 어찌 생각하면 Gehry의 3-dimensional한 형태의 In-Between Space 개념이, Louis Kahn의 공간 구성시 사용된 light가 flitered된 "Layered- Space, 또는 현재 서울대학 건축과에 계시는 김광현 교수가 70년대 후반경 언급하셨던 창호문, 회랑등의 "Grey Space"와도 다소 상호 연관이 있는듯한 인상입니다. ( 이에 대한 추가적인 언급은 기회있으면 추후 기고에 다시 하기로 하고.....)

한편 이같은 완충적인 "In-Between Fabric Space" 개념은 기능상 정형을 요구하는 형태와 그들을 둘러싼 부정형의 형태가 같이 상호 존재할 수 있는 사용 및 구성상의 문제도 해결하고 있읍니다. 즉 Gehry가 현재까지 약 10여년간 설계를 하고 있는 Los Angeles의 "Walt Disney Concert Hall"에서 볼 수 있듯이, 전체적으로 Dynamic하고 Sculptured된 Form을 구현하기 위해서 부정형의 space fabric ( 예로, Main Grand Stair, Foyer, Entry Lobby 등의 건축요소)들이 acoustic 계획상 다소 정형을 요구하는 Main Concert Hall을 둘러싼 구성으로 설계되어서 사용상의 문제 및 외관상의 "Formal Conflicts"의 문제를 해결하고 있다는 점입니다.

어찌 생각하면 Ironical 하게도 이같은 Gehry의 건축 구성 방식이 Robert Venturi가 언급하는 "Decorated Shed" 성격을 지닌다는 점입니다. 물론 그가 이 "Decorated Shed" concept을 가지고 설계를 하지 않을 것이라는 생각은 하나, 결과적으로 보면 이 개념이 그의 설계 구성에 존재함을 느끼지 않을 수가 없읍니다. 즉 Dynamic한 Interior Volumn과 Exterior Form을 inter-relating하기 위해서 중간에 완충 건축 요소를 도입함으로서 상호 "Colliding" 되거나 "Inter-oenetrating" 되는 부분이 없이 쉽게 두관계를 각기 독립적으로 해결하려는 시도가 였보인다는 점입니다.

여기에 검토를 하려는 Bilbao Museum과 현재 중단(?)된 것으로 알고 있는 삼성 Museum의 건축 구성은 위에서 언급한 Gehry의 "Decorated Shed"로서의 In-Between Space 개념이 한층 성숙되어서, Baroque 시대의 건축가인 "Borromini"적인 Integrated된 "Fusion Space" 개념으로 변화되어 가는 점을 느낄 수가 있읍니다. 저는 이 작품에서 Gehry가 위에서 언급한 "articulated"된 composition으로부터 solid가 liquid로 변형되어 가는 듯한 "transion" 입장에 있는 듯한 인상을 받았읍니다. 그 대표적인 예로 지난 기고에 언급한 "Soring Expressionic Space"인 Central Atrium이 다양한 형태의 Exhibition Galleries를 integration된 전체 구성으로 엮어주려는 그의 노력은 각 부분들을 하나로 융합시키려는 시도라고 옅볼 수가 있읍니다.

제가 위에서 "Transion" 이라는 단어를 사용한 것은 아직도 Bilbao Museum 작품에서 위에서 언급한 "Decorated Shed"와 Borromini적인 "Fusion"이 동시에 시도되고 있기 때문입니다. 그 예로 Bilbao Museum의 전시실 중 가장 극적 형태인 "Boat Gallery" (이는 Boat 같이 흐르는 듯한 형태로서 대지 옆에 있는 다리밑을 관통하면서 계획된, 축구장 보다도 길이가 더긴 전시실)와 Central Atrium의 상호 Interaction과 2-3층에 있는 Box 형태의 전시실이 Central Atrium과의 Interaction 상태를 비교하면 아직도 Gehry가 "Total Fusion"으로서의 Interior Space와 Exterior Form과의 정립을 못하고 있다는 점을 감지 합니다.

즉 "Boat Gallery"는 그의 dynamic한 형태와 공간이 또다른 극적인 자유 형태이면서 "Soring Space"인 Central Space와 같이 잘 연계되어서 자연스러운 흐름과 interaction이 이루어지는 반면,2-3층의 직사각형인 전형적인 galleries는 atrium과의 자연스러운 연계를 시킬수가 없기에 다시 free shape fabric인 Elevator Hall과 Stair 및 Corridor Hall등으로 둘러쌓은 다음에, 이들 중간 fabric elements들이 dynamic한 atrium과 연계하는 완충 요소로 구성되어 있음을 볼때, 위에서 언급한대로 아직 "Transition" 상태에 있음을 느낄 수가 있읍니다.

이같은 Gehry의 "Fusion"으로서의 건축 composition 상황의 변화는 현재 그의 사무실에서 설계 concept 단계부터 실시 설계 단계까지 사용을 하는 새로운 CAD program이 일부 역활을 하는 것이라 생각됩니다. Gehry는 기본적으로 "Open Form"들을 채택하면서 외부 형태로 부터 설계를 시작하는 경향입니다. 이같은 설계 방식 때문에 그는 설계 초기 개념 단계부터 상당히 많은 Study Model을 만들면서 "Form"을 refining 합니다. 허나 study model은 외부 형태 구성에는 많은 도움과 이해를 제공할 수가 있으나, 실질상 다양한 dynamic interior space들의 model을 만드는 것은 상당한 어려움이 있읍니다. 하기에 아마도 내부 공간의 형태와 composition은 Gehry의 personal한 inner impulse에 의해서 이루어지는 한계성이 있지 않았나 고려됩니다.

이같은 한계에 도움을 주는 것이 현재 그의 회사에서 사용하는 "Catia"라는 CAD progarm입니다. 이 program은 원래 French 공군의 전투기인 Mirage Fighter Jet를 위해서 개발된 것으로 제가 현재 사용하는 Auticad 3-D, Form Z 및 기타의 일반 program인 Studio Max, Bently Microstation 등의 3-D program의 수준을 훨씬 능가해서, 복잡한 3차원의 내외부의 형태, 공간 및 구조 역학을 손쉽게 분석과 simulation 하면서 설계를 할 수가 있읍니다. 현재 aerospace indusrty와 auto indusrty에서 비행기나 자동차의 신제품 개발에 일반적으로 사용하는 것으로 알고 있읍니다.

저는 이 program을 아직 직접 접해본 경헌이 없어서 자세한 언급을 할 수가 없으나, Gehry 설계에 사용되는 이 program의 예를 보면, 그는 이 "Catia" program 덕분에 설계 과정에 더욱 창의적인 Form과 Space를 만들수가 있으며, 이들을 상호 intersecting, colliding의 simulation 하면서 전에는 볼수 없었던 한단계 높은 수준의 전체적인 "Fusion" 건축물로서 transforming 할 수가 있게 되었음을 알게 됩니다.

현재 Gehry는 Microsoft회사의 창업자중위 한사람인 Paul Allen이 기금을 내어서 추진중인 Jimmie Hendrick Music Museum (미국의 70년대 Hard Rock Music Singer)을 설계해서 미국의 Seattle에 시공하고 있읍니다. 며칠전에 그 project의 구조 설계자와 만나서 본 그의 computer simulation을 보면 Gehry의 Borromini적인 설계가 또다시 한단계 다른 "Fusion" 수준으로 발전하는 가능성을 옅봅니다.

아직 준공이 되지를 않아서 잘 검토를 할 수는 없으나, 이작품은 Bilbao Museum의 three dimensional structural frame으로서의 외부 형태 및 공간 구성 방식에서 벗어나, 하나로서의 Natural Flow 형태인 poured shell system을 도입한으로서 각기 다른 형태나 Spaces들의 "Total 일체성"을 시도하고 있다는 점을 예측할 수가 있읍니다.

Gehry의 작품은 통상적인 직선적 Euclidian order system을 벗어나 자신의 artistic expression을 위해서는 어떤 형태라도 추구하면서 전체적인 구성을 이루려는 면이 뚜렸합니다. 이는 근대 건축의 선구자인 Le Corbusier나 Alva Alto의 Free Form 작품둘과는 또다른 Space Quality와 의미를 지니고 있읍니다. 저는 개인적으로 이같이 Gehry가 추구하는 personal한 Free Flow Form의 의미에 많은 의구심을 갖고 있으나, 그가 예술적인 건축 형태와 공간을 추구하기 위해서 건축의 "설계 Envelope을 한없이 Pushing"하는 그의 도전적이고 창의적인 설계 자세는 저자신 배울봐가 많이 있음을 절실히 느낍니다.

여기서 주제를 다소 바꾸어서 건축과 조경에 대한 견해를 적어봅니다. 조경은 고대 건축부터 건축 전체 composition에 있어서 필수 주요 구성 요소로서 적용되고 있었읍니다. 허나 Early Modernism에서 Machine Aesthetics 개념이 도입되면서 건축 구성에 있어서 조경의 입지가 약해지기 시작되었으며, 현재는 심지어는 건축 설계가 끝난 후 식목을 하는 정도까지의 극한(?) 입장에 도달하기도 합니다.

저는 건축을 Site의 Context에 정착시키기 위해서는 설계 초기단계부터 조경이 ( 이것이 softscape이던 hardscape 이던...) 건축의 필수 Concept 구성요소로 도입 융화되어야 한다고 생각합니다. 서양 Renaissance의 Italian Garden이 Pergoladhk Arcade 등의 요소를 도입해서 건축물과 외부 natural 세계와의 transitional한 요소로 설계되고 있으며, 특히 동양의 조경은 ( chinese garden의 외부 회랑, courtyard garden, water garden 및 Japanese garden 등..) 그자체 만으로도 건축이라고까지 생각됩니다. 현재 활동하는 젊은(?) 건축가들 둥에서 Steven Holl, Tod Williams/Bille Tsien 및 Tadao Ando등의 작품을 보면 그나름대로 추상적으로 여러 조경 요소들을 전체 건축 구성에 도입하면서 건축을 Site에 Anchoring 시키는 사례를 배울수가 있읍니다.

또한 저는 1-2년전에 서울에서 실시된 용산 국립 박물관의 당선작에서 이같은 조경과 건축의 일체성에 대한 좋은 예를 배울수가 있었읍니다. 비록 개인적으로 이 당선작 Museum의 매우 Rational한 Box 형태에는 의구심이 많으나, 전면의 Oval Shape의 Water Garden ( 과연 이 Oval Shape가 적합한 것인지는 논의의 여지가 있으나....)과 이를 따라 구성된 Curved된 형태의 전면 진입 Grand Ramp 및 전시실 건물과의 연계 구성은 조경적인 요소가 전체 Museum 건축물을 이 용산 Site에 Intergration시키는 역활을 하는 우수성을 볼 수가 있읍니다.

Bilbao Museum에는 흔히 조경 요소로 생각되는 "Green" Element는 전혀 없읍니다. 이는 대지가 위치한 Bilbao 도시가 산업 도시의 성격을 지니기에 전원적인 Green Landscaping이 어울리지가 않기 때문일 것으로 이해됩니다. 그대신 Gehry는 대지의 후면에 있는 강과 Museum사이에 마치 일본의 "Zen Garden" 성격의 매우 조용한 Water Garden을 구성했읍니다. 이 Water Garden은 대지 주위에 존재하는 자연 조경인 강이라는 요소를 적극적으로 Museum Complex에 도입시킴으로서 현존의 Site Context와 intergration하는 효과를 유도하고 있읍니다. 동시에 이 Water Garden의 성격이 후면의 Dynamic한 흐름의 water element와 반대적으로 매우 정적인 잔잔한 구성으로 이루어져서 이두 요소 사이의 "Thesis : Anti-thesis"라는 역학 관계에서 또다른 차원의 극적인 경험을 방문자에게 제공하고 있읍니다.

여기서 또하나 저의 관심을 끄는 구성은 이 Water Garden과 현존하는 강과의 경계선을 따라서 가로 지르는 "Curved"된 형태의 Concrete Ramp/ Walkway 입니다. Gehry의 많은 작품들에서 "Movement & Flow" Concept을 자주 감지하는데, Bilbao의 이 조경 요소가 이 같은 면을 더욱 증진 시켜줌을 알 수 있읍니다. 즉 방문자는 Museum 전면 광장에서 좌측에 있는 Wide Ramp/Stair를 거쳐서 후면의 야외 Plaza에 도착을 합니다. 계속해서 이 후면 plaza에서 부터 연계되는 Water Garden과 강사이의 curved concrete ramp/walkway를 거친후, 우측 야외 계단을 통해서 소위 그 유명한 "Boat Gallery"의 긴 Curved 외벽을 따라서 현존하는 다리 밑을 통하면 궁극적으로 도달하는 곳이 그 유명한(??) Scaffolding Tower입니다. 막상 이 climax point에 도달을 하면, 이곳에서는 아무것도 관망할 것이 없읍니다. 결국 이 tower에서 되돌아서 앞에서 거친 sequence를 거꾸로 되돌아 가야하는 모순(?)은 있으나, 저는 이같은 외부 Movement Concept에서 조경이 만들어낸 Image가 Gehry의 Free Movement 형태의 Dynamic한 Museum Form과 상호 Interaction하는 점을 배울수가 있읍니다.

단지 아쉬운 것은 앞에서 언급한 Tower에서의 조경 Sequence가 Museum 2층 정도의 야외 Plaza로 연결되어서 관람인들을 다시 극적인 내부 Central Atrium으로 유도하는 흐름이 있었으면 하는 점입니다. 이와 더불어서 매우 Simple한 Scluptured된 Green Element를 도입했으면 더욱 예술 감상의 효과와 Dynamic한 건축을 경험한 관람자의 심적인 상태를 한번 더 걸러주는 Transional한 마음의 경험을 줄 수가 있지 않을까 하는 점입니다.

지금까지 Bilbao Museum을 보면서 설계자로서의 제가 "무었을 배울 것이 있고, 무었을 더욱 transform할 수 있을까?" 하는 주관적인 견해를 적어 봤읍니다. 이 Museum에서 논의될 사항들은 아직도 많이 있으나 여기서 Bilbao Museum에 대한 사항은 마치기로 합니다.

화가가 계속해서 무수한 painting 작업을 하는 과정을 통해서 더욱 자신을 성숙 시키듯이, 건축가는 설계 작업을 많이 함으로서 그 과정에서 더욱 배우고 자신의 건축관의 수준을 향상 시킬 수가 있다고 저는 생각합니다. 설계의 수준과 건축관을 더욱 높이기 위해서는 다른 건축가의 작품들과 여러 건축물들을 관찰 함과 더불어서 여러 건축 서적과 이론들을 분석 하면서 "나름대로" 건축을 이해하는 "눈"을 계속해서 수련을 해야 된다고 믿고 있읍니다. 아마도 독자의 각기 건축관이 다르기에 위에서 설명한 저의 이해와 다르게 생각하시는 분들더 있으리라 고려됩니다. 단지 저의 이 기고 내용이 각 독자들의 나름대로 건축을 보는 견해에 도움이 되기를 바랍니다.

California, La Jolla에서 노 정일 (Chungil Rho, AIA)

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